El lujo, igual que la moda, ha evolucionado a lo largo de la historia. Las tendencias de cada temporada marcan el inicio de nuevas eras y el final de otras. Aunque la moda es cíclica —todo vuelve—, lo hace de otra manera, con otra finalidad y desde otro punto de vista.

Durante años, el lujo ha sido sinónimo de visibilidad. Símbolos evidentes, imágenes reconocibles, códigos que gritaban estatus a simple vista. A finales de los 90, todas las celebridades lucían bolsos con logos de gran tamaño o incluso patrones monogram con repeticiones del logotipo. Las veíamos en alfombras rojas y en eventos mostrando y anunciando los nombres de las firmas más cotizadas del momento. La logomanía, que tuvo su época dorada en los años 80 y 90, surgió como símbolo de estatus social y poder económico. A mediados de los 2000 vivió un resurgimiento masivo, basado en la obsesión por llevar marcas visibles, consolidándose en desfiles y street style de todo el mundo.

En la actualidad, y en contraste con esta tendencia que lo significaba todo, se produce un cambio hacia la sobriedad: el llamado lujo silencioso. Hoy en día, aunque la logomanía sigue estando presente, recibir una caja blanca, sobria y elegante, con el nombre de la firma casi invisible, abrirla y encontrar el papel de seda protegiendo un bolso de piel de becerro de primerísima calidad, sin excesos, diseñado en París y fabricado por artesanos peleteros en Ubrique, se convierte en la máxima definición de lujo.

El quiet luxury no es una estética vacía ni una excusa para el minimalismo. Es una reacción a la hiperexposición del momento en el que vivimos —impulsada por el auge de las redes sociales—, a la urgencia de validación y a la idea de que el valor debe demostrarse constantemente. Ahora, lo valioso se reconoce sin necesidad de ser explicado. La moda y la belleza se simplifican, pero no se banalizan. Los cortes se afinan, se apuesta por colores más naturales y las texturas hablan más que los símbolos. Sin embargo, nada de esto funciona sin una idea central: el cambio de actitud.

El deseo de demostrar lo que poseemos queda atrás para dar paso a una elegancia y sofisticación más sencillas. Dejamos de pensar en los demás para centrarnos en nosotros mismos, apostando por productos de calidad y por una filosofía de menos es más, donde la belleza natural se impone a lo artificial.

Porque si antes el lujo significaba ser visto, hoy el verdadero lujo es no necesitar serlo.

Ha llegado el momento de hacer las maletas y poner rumbo a nuestro destino de vacaciones de Semana Santa. En esta época del año en que las pistas de esquí siguen abiertas antes del cierre de temporada y ya hace buen tiempo para ir a la playa, los barceloneses se disputan su huida de la ciudad entre el mar y la montaña. Si te encuentras en el segundo grupo, este contenido es para ti.

Sin duda alguna, uno de los lugares de montaña más visitados en Catalunya —seguramente por detrás de Val d’Aran— es la comarca de la Cerdanya. Tierra de pequeños pueblos con tejados construidos con tejas de pizarra negra rodeados por bosques, lagos y ríos que tiene un encanto natural increíblemente reconocible. Aunque la belleza de la zona es singular, la Cerdanya tiene otros muchos atributos y uno de ellos es la gastronomía. Sus famosas creaciones típicas como el “trinxat” de Cerdanya, la carne a la brasa, los arroces de montaña y los deliciosos quesos del Molí de Ger.

Hace poco más de diez años, la Cerdanya se ha convertido en un destino muy turístico y muchos restaurantes han abierto sus puertas o se han reinventado actualizando sus propuestas para dar a conocer la increíble gastronomía de la zona.

Ca la Núria, Bellver de Cerdanya

Ca la Núria es uno de los restaurantes de toda la vida con una propuesta contemporánea con raíz tradicional y producto local. Ubicado en una antigua casa señorial restaurada en el municipio de Bellver de Cerdanya, es hoy referencia culinaria en la comarca, reconocido por la Guía Repsol. El espacio combina arquitectura clásica de montaña con interiores modernos y acogedores que realzan la experiencia gastronómica.

El proyecto está liderado por Núria Bonet, junto a August Dalet, quienes han reinventado la cocina autóctona de montaña cuidando el territorio y apostando por las técnicas actuales sin perder la identidad local.

Entre sus platos más exquisitos destacan los raviolis con salsa de soja y parmesano, la costilla de cerdo confitada y asada o el arroz de calamar con caldo de cigalas, siempre con producto de proximidad y toques que reflejan una gran creatividad.

• Ideal para: comidas relajadas con vivencia gastronómica, parejas o grupos que buscan una experiencia local con calidad exigente.

Paller de Queixans, Queixans

El chef Ernest Pietx está al frente de una propuesta que fusiona el recetario clásico de la Cerdanya con creatividad contemporánea, destacando carnes a la brasa, guisos, arroces y sugerencias de temporada. El Paller de Queixans es el claro referente de cocina catalana de siempre con toques actuales, basada en producto de proximidad.

Ubicado en un pajar de más de 400 años rehabilitado, este restaurante combina elementos rústicos originales —piedra, madera o hierro— con aire moderno y actual. La terraza soleada es ideal para comidas al aire libre con vistas al maravilloso y encantador paisaje de montaña.

La propuesta gastronómica varía según temporada, con especial atención a las carnes, los guisos de toda la vida o los arroces, acompañados de una cuidada carta de vinos pensada para maridar intensamente los sabores del territorio.

• Ideal para: quienes buscan tradición con innovación, en un ambiente histórico y ceretano.

La Borda del Ceretà, Puigcerdà

Situado en una antigua harinera restaurada a las afueras de Puigcerdà, La Borda del Ceretà propone cocina de mercado catalana y mediterránea con base tradicional pero elaborada de forma creativa.

El restaurante, que ha sido galardonado con el Solete de la Guía Repsol por su propuesta gastronómica, combina la tradición de montaña con técnicas contemporáneas y mucho respeto por la temporada y la estacionalidad.

El proyecto fue impulsado por Chus Iniesta y Georgina Baró, una pareja con experiencia y formación sólida en hostelería que une técnica, creatividad y vocación por el producto local.

Además de clásicos ceretanos reinventados, su carta destaca por arroces “a la llauna”, platos con productos silvestres y combinaciones y fusiones creativas que cambian frecuentemente para aprovechar lo mejor de cada época del año.

• Ideal para: comidas de fin de semana o para ocasiones especiales, con ambiente acogedor y elegante, un servicio cuidado y atención al detalle.

Restaurant Grau de L'Os, Bellver de Cerdanya

Grau de l’Os propone un perfil más tradicional que de alta cocina. Destaca por su cocina honesta y bien ejecutada que respeta el producto de la Cerdanya, con distintas opciones según la dieta de los comensales y menús adaptados al territorio.

Un clásico actualizado en el centro de Bellver de Cerdanya, con interiores acogedores y buen ambiente local. A menudo ofrecen el menú pica-pica —su propuesta gastronómica para la degustación de varios platos de la carta— o de temporada, con elaboraciones que sorprenden por su calidad y sabor.

Entre los platos más destacados de la carta se encuentran las gyozas de espárragos, los canelones o los entrantes creativos y bien ejecutados

• Ideal para: comidas informales con producto local, parejas o grupos que buscan sabores de toda la vida y autenticidad.

TR1910 Restaurant Torre del Remei, Bolvir

TR1910 Restaurant Torre del Remei es una de las opciones más sofisticadas de la Cerdanya. Alta cocina con influencias tradicionales catalanas, pretendiendo maridar historia, entorno y gastronomía.

Forma parte del Hotel Torre del Remei, un palacete modernista del 1910 que combina hotel boutique de lujo con gastronomía exquisita. El entorno histórico y elegante es una parte central de la experiencia.

Su oferta busca homenajear la tradición de la Cerdanya con una carta elaborada de platos de autor que se convierte en una apuesta arriesgada y a la vez atractiva para los amantes de la alta cocina.

• Ideal para: quienes buscan una experiencia gastronómica ligada a un entorno histórico y cuidado.

La Cerdanya, además de sus increíbles paisajes, su excelente producto local y ese ambiente natural y acogedor que la hace única, cuenta con un patrimonio gastronómico de primer nivel. Una cocina que combina tradición y sensibilidad contemporánea, donde el recetario de montaña convive con propuestas más creativas sin perder su esencia.

Todo ello convierte a la comarca en mucho más que un destino de escapada: en un lugar al que volver una y otra vez, también a través del paladar. Sin duda, una de las zonas con más encanto de Catalunya para quienes entienden el viaje como una experiencia que se saborea.

En un momento en el que la palabra sostenibilidad está en el orden del día, proyectos como Duamadé apuestan por ir más allá del discurso. Desde Barcelona, Carla Soler Esteban trabaja con residuos plásticos que transforma en piezas de mobiliario únicas, explorando nuevas formas de diseño donde estética, funcionalidad e impacto ambiental conviven.

Su historia comienza lejos, en Bali, donde inició su recorrido en 2018 a partir de una toma de conciencia y, gracias a eso, dio a conocer su propuesta en Instagram y TikTok, y se materializa hoy en espacios cotidianos. A través de muebles y objetos con identidad propia, su proyecto propone una nueva manera de habitar: más consciente, más duradera y conectada con el entorno.

Para empezar, ¿quién es Carla más allá de Duamadé?

Soy una chica de 27 años apasionada por el interiorismo y la decoración. Estudié esa carrera y, al terminar, sentía que me faltaba un espacio donde pudiera expresar mi creatividad de manera más libre. Así nació Duamadé, un proyecto que me permite explorar mi lado creativo, jugar con colores y texturas y dar vida a los acabados que reflejan mi personalidad. Me gusta que mi trabajo transmita esa libertad y esa energía que siento a diario.

¿Qué es exactamente Duamadé y qué significado tiene el nombre?

Duamadé es un proyecto que busca dar una segunda vida a los residuos, transformándolos en materiales únicos y sostenibles para interiorismo y decoración. El nombre tiene un significado especial: en indonesio, “dua” significa dos, y “Made” es un nombre que se da al segundo hijo de la familia. Para mí, fue la fusión perfecta: representaba perfectamente esa idea de dar una “segunda vida” a los materiales y, además, conectaba con la cultura de Bali, que tanto me inspira.

Todo empieza en Bali. ¿Qué ocurrió allí para que cambiaras tu mirada sobre el plástico?

Lo que más me impactó fue el contraste entre los paisajes paradisíacos y la realidad de las calles y playas llenas de residuos. Ver cómo la contaminación afectaba a la vida cotidiana me hizo replantearme mi relación con el plástico. Fue un momento de conciencia: entender que estos materiales podían tener un gran impacto negativo si no los reutilizábamos y, al mismo tiempo, inspirarme a buscar formas de darles una segunda vida a través de mi trabajo.

Después de ese viaje, ¿cuál fue el primer paso real para convertir esa inquietud en un proyecto real?

La idea surgió de manera orgánica. Siempre he tenido la inquietud de emprender, pero fue en Bali donde empezó a tomar forma. El primer paso fue entender el material y cómo trabajarlo, experimentar y explorar cómo podía utilizarlo de forma creativa hasta convertirlo en el proyecto concreto que es Duamadé.

¿Por qué decidiste centrarte en muebles y objetos de decoración?

Vengo del mundo del diseño de interiores, así que mi interés natural residía en cómo integrar este material en espacios cotidianos de forma estética y funcional. Además, era consciente de que existían propuestas similares en países nórdicos; sin embargo, en España aún no estaba muy desarrollado, así que vi una oportunidad para adaptarlo a nuestro contexto. Elegí trabajar con muebles y objetos de decoración porque me permitía combinar sostenibilidad, creatividad y diseño, creando piezas que la gente pudiera disfrutar en su día a día.

El diseño de Duamadé tiene un estilo muy reconocible. ¿Cómo nace ese sistema modular tipo puzzle?

Era una idea que tenía clara desde el principio. Además de ser estético y divertido, es muy práctico: facilita el transporte y permite optimizar el envío, haciendo el proceso más sostenible.

¿Cómo es el proceso de transformación del plástico reciclado hasta convertirse en un mueble?

Es un proceso bastante laborioso. Primero se separan los plásticos por tipo y color para asegurar la uniformidad. Luego se trituran y se prensan con calor para formar planchas sólidas. Después se cortan con máquina CNC para dar forma a las piezas, que finalmente se ensamblan en mesas, taburetes u otros objetos de decoración.

Trabajar con residuos como materia prima implica muchos retos. ¿Cuál ha sido el mayor desafío?

Conseguir un acabado bonito y consistente. Al trabajar con residuos, cada pieza es diferente, así que al principio hubo mucho ensayo y error hasta entender cómo tratar el material de forma correcta.

¿Cómo reacciona el público cuando descubre el origen de tus piezas y qué perfil de cliente suele interesarse por ellas?

Sorprende mucho. A la gente le cuesta imaginar que un residuo pueda convertirse en algo bonito y funcional, y les gusta ver esa transformación en piezas únicas. Actualmente hay un poco de todo, pero mi intención es centrarme más en colaborar con interioristas y diseñadores de espacios comerciales, como restaurantes o lugares donde la experiencia del usuario sea clave. La idea es que este material no solo sea funcional o decorativo, sino que forme parte de la experiencia del espacio y aporte un valor diferencial.

En los últimos años, la sostenibilidad está muy presente en el diseño. ¿Crees que el sector está cambiando de verdad o todavía queda mucho por hacer?

Creo que todavía queda mucho por hacer. Hay más conciencia, pero transformar hábitos y procesos lleva tiempo.

En moda se habla de fast fashion. ¿Existe también un “fast design” en tu sector?

Sí, hay un modelo basado en producir rápido y barato, sin pensar en la durabilidad ni en el impacto ambiental. Es algo que deberíamos replantearnos porque fomenta el consumo excesivo.

¿Qué deberían empezar a hacer las grandes marcas del sector del mobiliario si realmente quieren reducir su impacto ambiental?

Existen muchas oportunidades para que las marcas reduzcan su impacto ambiental, como por ejemplo, explorar materiales más sostenibles y optimizar sus procesos de producción y transporte. Es un camino largo, pero cada paso cuenta.

A nivel individual, ¿qué deberíamos cambiar en nuestra forma de consumir?

Ser más conscientes de lo que compramos, valorar la durabilidad y la calidad, y entender el impacto que tienen los objetos que utilizamos en nuestro día a día haciendo un uso responsable de los materiales.

¿Cómo imaginas el futuro de Duamadé?

Me gustaría seguir creciendo, trabajar cada vez más con interioristas y profesionales del sector, colaborar con marcas que me inspiran y que compartan el compromiso con el medio ambiente, como Thinking MU o Ecoalf, y diseñar espacios cada vez más sostenibles.

Si pudieras dejar una idea clara a las personas que quieren vivir de forma más sostenible, ¿cuál sería?

Cada pequeño gesto cuenta. Empezar por reutilizar, consumir de forma consciente y valorar la durabilidad de los objetos ya tiene un gran impacto.

Carla Soler Esteban demuestra que la sostenibilidad no está reñida con la estética, sino que puede convertirse en el motor creativo de nuevas formas de diseño. En un contexto marcado por el consumo rápido, proyectos como Duamadé invitan a reflexionar sobre la relación que tenemos con los objetos que nos rodean y a entender que cualquier material —incluso los residuos— puede tener una segunda vida y liberar al planeta de excesos que dañan su desarrollo natural.

Con el auge de las redes sociales y el surgimiento de filtros que alteran las facciones para parecer una muñeca, el maquillaje de los últimos años buscaba una perfección artificial muy pulida. El beauty trend llamado efecto filtro se hizo viral, porque con las técnicas adecuadas, se conseguía un acercamiento a la belleza deseada que se alcanzaba con los presets disponibles en Instagram o TikTok.

En 2025, la tendencia residía en pieles muy cubrientes, ocultando cualquier imperfección a la vista de cualquiera, además de culminar los looks con blushes muy intensos para exagerar el color de las mejillas. Sin embargo, este año hemos entrado en una nueva era del mundo beauty. Como reacción al exceso, la experta maquilladora de celebrities, Nina Park, crea una tendencia que dará paso a un nuevo paradigma: el soft glam makeup.

La piel real vuelve a ser protagonista

El maquillaje soft glam es sofisticado y auténtico, busca realzar las facciones sin exagerarlas, mostrando una piel luminosa y natural. El rostro ya no es un lienzo en blanco, tiene imperfecciones que esconden una historia, y esta tendencia pretende contarla con sencillez y elegancia.

En 2026 la tendencia ya no es transformar el rostro, sino enfatizar lo que lo hace único.

La tez pura se consigue aplicando bases de cobertura ligera que aportan una textura de piel visible y un acabado luminoso. Los rasgos se enfatizan con contornos suaves que marcan naturalmente la cara y se potencian iluminando los puntos estratégicos para lograr el efecto glow genuino.

Esta tendencia se hizo viral a principios de año por influencia de la maquilladora profesional Nina Park. Su estilo refinado pero sutil redefine las nuevas propuestas en el mundo beauty. Estrellas como Laufey, Emma Stone, Sadie Sink, Margaret Qualley, Zoë Kravitz o Charli XCX han pasado por las manos de Park para convertirse en una mejor versión de sí mismas en cada alfombra roja. No es de extrañar que, después de vivir en una era de excesos y de querer escondernos detrás de una máscara —aunque se trate de maquillaje—, el enfoque minimalista de Nina Park resulte un éxito.

Del blush blindness y el overlip a la armonía natural

El soft glam makeup se ha convertido en una de las tendencias más comentadas del momento y, a partir de él, han empezado a surgir distintas microtendencias que difieren totalmente de las que habíamos visto en temporadas anteriores.

En 2025 destacaba el blush blindness: mejillas totalmente saturadas con tonos rosa pastel y fucsia intenso. Sin embargo, ahora destacan los tonos bronceados y tostados como el terracota, aplicados de manera difuminada para conseguir un efecto natural. Por otro lado, tenemos los halo o blurred lips: nos despedimos del famoso overlip que trajeron las Kardashian y damos la bienvenida a unos labios jugosos con aspecto difuminado que resaltan su volumen natural. Se delinean suavemente para obtener un acabado mordido con bordes borrosos.

La filosofía del maquillaje en 2026 da un giro de 180º: se potencian los rasgos naturales del rostro, se apuesta por la sencillez para conseguir una belleza más realista. El soft glam refleja este cambio en la percepción del mundo beauty que apuesta por la naturalidad, donde el maquillaje pasa de transformar a realzar. La belleza de hoy en día no busca ocultar la piel, sino celebrarla.

5 consejos para conseguir un soft glam makeup sencillo y rápido

¿Quieres probar esta tendencia sin ser un profesional del maquillaje? ¡No te preocupes! Te presentamos algunos trucos sencillos que pueden ayudarte a conseguir ese efecto luminoso y natural que caracteriza al maquillaje soft glam.

1. Elige bases ligeras
   Optar por bases de cobertura media o baja que dejen ver la piel.

2. Aplica el blush con moderación
   Usar tonos tostados o bronceados y difuminarlos bien.

3. Ilumina solo puntos clave
   Pómulos, puente de la nariz o arco de cupido.

4. Difumina el contorno de labios
   Crear un efecto suave sin delineado marcado.

5. Prioriza la preparación de la piel
   Una piel bien hidratada es la clave del efecto natural.

Estilo y glamour son los claros atributos que vistieron la alfombra roja de los Oscar 2026. Este año nos despedimos de la sobriedad y la sencillez y damos la bienvenida a los vestidos llamativos, con pedrería, plumas, gamas de colores atrevidas, volúmenes… elementos característicos de la época dorada hollywoodiense. Los invitados han querido mostrar su presencia con piezas arrolladoras que convirtieron la alfombra roja en un desfile de alta costura.

La estrella de la noche fue, sin lugar a dudas, la actriz Jessie Buckley, quien, además de alzarse con la estatuilla por su impecable interpretación en Hamnet, lució exuberante con un diseño exclusivo de Chanel, firmado por el nuevo director creativo de la maison: Matthieu Blazy. La pieza apostaba por una rompedora combinación de rojo y rosa, históricamente evitada en la industria de la moda. El cuerpo drapeado con escote bardot en tejido satinado acompañaba a la perfección una fluida falda suave que finalizaba con una larga cola.

Sin duda, la marca francesa fue la más codiciada de la gala, ya que, además de Buckley, otros de los invitados escogieron Chanel para celebrar la gran noche de la Academia del Cine: Nicole Kidman, Teyana Taylor o Gracie Abrams son algunos de los nombres que se han dejado llevar por la nueva interpretación de la casa de la mano de Blazy.

Otra de las mejores vestidas de noche fue Elle Fanning, nominada a mejor actriz secundaria, por Valor sentimental. La joven actriz exhibió un deslumbrante traje de novia en tul y pedrería de Givenchy, firmado por Sarah Burton. Una pieza voluminosa, pero a la vez delicada, que acaparó todas las miradas.

Como era de esperar, Emma Stone, nominada por Bugonia, no defraudó siendo fiel a la casa Louis Vuitton. La intérprete cautivó la alfombra roja con un refinado modelo de corte imperio realmente sencillo pero exquisito. Un diseño que nos recuerda a la belleza y sofisticación de la moda durante la Regencia inglesa en el siglo XIX y que, recientemente, hemos recuperado y actualizado con series como Los Bridgerton.

Los Oscars, además de la gran celebración anual del séptimo arte, se han convertido en un escaparate más allá de los desfiles durante las Fashion Week para las maisons clásicas. Ya no solo estamos deseando que llegue el día para descubrir a los triunfadores de cada edición, sino que ansiamos ver como los grandes diseñadores visten a sus estrellas para el gran día. Así pues, la gala de los Oscars es hoy, y será siempre, uno de los grandes acontecimientos para la industria de la moda.

La moda de la era digital busca brillar y agradar al público. Las maisons clásicas que antes eran inaccesibles, ahora conectan con las nuevas generaciones que viven en un mundo dominado por la inmediatez y lo efímero. En una industria que premia el encanto inmediato, Txell Miras juega con la incomodidad y propone estructura, sombra y pensamiento en cada costura.

La diseñadora catalana, habitual de la pasarela 080 Barcelona Fashion, convierte cada colección en un reflejo de los momentos vitales que atraviesa. En una entrevista publicada en 2025 en el Diari de Sabadell, explicó que su última colección ‘Destensant bastidors’ nace de esa tensión entre lo personal y lo colectivo: «Habla de momentos vitales míos. E incluso colectivos. Tensiones y distensiones en el ámbito global. Y personalmente también estoy queriendo destensar cosas. Si lo haces, pasan cosas». Además de exponer sus propias experiencias en sus diseños, añade pensamiento crítico, tratando polémicas como el cambio climático —un tema candente en la industria— para incomodar, dar valor y concienciar de lo que sucede en nuestro entorno más allá del desfile.

Txell Miras, quien se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, empezó su carrera en Milán trabajando en la línea femenina del diseñador inglés Neil Barrett. Su mentor la animó a lanzar su marca propia con la que debutó en la pasarela Gaudí en 2004. La formación artística la sitúa dentro de una generación de diseñadores de autor que priorizan el concepto sobre la ornamentación. Su identidad estética, que pretende remover los sentimientos del público, se basa en las capas, la oscuridad, la estructura y el volumen. La sobriedad y la gama cromática limitada —dominada por el blanco y el negro— definen un lenguaje visual claramente reconocible.

En su propuesta creativa podemos observar la influencia de la diseñadora japonesa Rei Kawakubo, conocida por cuestionar las figuras tradicionales, explorar la estructura de las piezas a través de volúmenes y proponer nuevas maneras de entender las siluetas. Esa conceptualización también aparece en el universo de Txell Miras, donde la superposición de tejidos, las formas y la sobriedad cromática articulan una estética que busca despertar reflexión antes que complacencia.

A través de sus colecciones, la diseñadora cuenta su historia con un estilo austero en una era de excesos. En el 080 Barcelona Fashion de 2016, sorprendió con una línea inspirada en monjas, porque —al tener un padre capellán— habían formado parte de su infancia. La expresión religiosa cubriendo los cuerpos con uniformes contrasta directamente con el exhibicionismo y la exuberancia del panorama actual, suscitando la mirada crítica de quienes observan.

El mundo de la moda no es un camino fácil —aun menos siendo diseñador de autor que sigue sus propias reglas—. En una entrevista por El País realizada en 2025, Txell Miras afirmó que es muy afortunada de vivir de su pasión: «Poder dedicarte a lo que te gusta es un privilegio, aunque sufras. Yo en cada desfile estoy nerviosa, ilusionada, no me han pasado las ganas. Lo sigo sintiendo mucho y el día que me pase, lo dejaré».

En un nuevo paradigma dominado por lo efímero y lo superficial, nacen propuestas simbólicas llenas de provocación, interpretación y consciencia. Txell Miras ha demostrado que la moda puede ser un lenguaje crítico, capaz de incomodar, cuestionar y despertar pensamiento con una propuesta que se aleja de los convencionalismos del marco actual.

Las estrellas de la noche apostaron por la moda española, para honrar el trabajo de muchos de los profesionales de la industria de este país, en una de las noches más importantes del año.

La actriz Blanca Soroa, nominada por Los Domingos, estuvo espléndida con una propuesta de Carolina Herrera: corsé de color marfil con pequeñas piedras bordadas que combinaba a la perfección con una falda voluminosa de tul negro, completado con joyas de Bvlgari.

Sin duda alguna, Anna Castillo fue una de las mejor vestidas de la gala. Llevó un vestido lencero al bies estilo años 90, en color azul eléctrico con más de 40.000 cristales cosidos a mano de la marca española de Jorge Redondo (Redondo Brand). La intérprete, que actualmente se encuentra grabando la segunda temporada de la serie Su Majestad, demostró que los clásicos siempre triunfan.

La presentadora de la gala, junto a Luis Tosar, Paula Ribó —más conocida como Rigoberta Bandini— desfiló por la alfombra roja con un vestido asimétrico negro con detalles plateados de Rabanne, acompañado de joyas de La Manso.

Nadie arriesgó tanto como Nieves Álvarez, que lució un impactante diseño de la diseñadora de alta costura Juana Martín, confeccionado a mano en tiempo récord. Una delicada combinación de bordados, encajes y pedrería en color marfil que destacó por su sofisticación.

Por su parte, Hiba Abouk quiso rendir un homenaje a la trayectoria de la diseñadora Carolina Herrera llevando un vestido de archivo de 2015. La actriz reivindicaba en unas declaraciones para Vogue la “sostenibilidad del lujo” y las segundas oportunidades de la moda.

María Pedraza apostó por un traje al más puro estilo garçonne de la marca catalana Mango. La actriz ha declarado para Vogue que “este outfit es muy como me siento ahora: muy relajada, muy cómoda” en una breve entrevista durante la alfombra roja. También vestida de Mango, correctamente de la colección Capsule, Laura Ponte iba espectacular en un arriesgado conjunto masculino blanco.

La gala de los Goya fue un completo éxito en la ciudad condal, confirmando que el cine español se encuentra en un gran momento. Cultura y moda vuelven a caminar de la mano cuando figuras de alto nivel apuestan por diseñadores locales para celebrar, un año más, la fiesta del cine español.

Entre las personalidades más fotografiadas destaca el actor Luke Newton, conocido por interpretar a Colin en Los Bridgerton, que ha sorprendido con un trench oversize burdeos en el desfile de BOSS.

Sentada a su lado en el front row de dicho desfile, acapara los flashes la actriz Meghann Fahy (The Bold Type y The White Lotus), luciendo un traje negro de la marca con pañuelo estampado en el bolsillo de la americana, evocando el más puro estilo garçonne de la década de los 20.

La representación española no ha pasado desapercibida. La cantante Aitana afianza su relación con la industria y reafirma su estatus como figura clave de la moda, siendo una de las invitadas al debut de la diseñadora Maria Grazia Chiuri como directora creativa de Fendi, tras anunciar el año pasado que cerraba su etapa en Dior. La autora de Cuarto Azul, que lucía un look vibrante de cuero, se ha sentado en el front row junto a estrellas como Uma Thurman o Monica Bellucci.

Durante estos días, también hemos podido ver a influencers de moda y estilo de vida, como Alexandra Pereira, demostrando año tras año que es pionera en redes sociales y una habitual en las primeras filas. Sus estilismos referentes con un sello personal muy reconocible la sitúan entre las creadoras de contenido más influyentes de Europa.

La empresaria ha formado parte de un desfile urbano de MaxMara en pleno Milán durante la jornada de presentación de la colección FW 26/27 del sello.

La periodista de moda e influencer Carmen Santaella también ha visitado la ciudad para asistir a algunos de los desfiles. La creadora de contenido paseaba por Milán con un conjunto acorde a su identidad: americana tipo capa, camisa oversize rosa, botas cowboy blancas y, el elemento estrella de su look: una falda vintage de lentejuelas y picos.

Esta semana, Milán se ha llenado de estilistas, editores, periodistas, diseñadores y celebridades que recorren sus calles entre desfiles de las casa históricas como Fendi, Prada o Gucci. La efeméride confirma que la moda sucede dentro y fuera de la pasarela: cualquier esquina puede convertirse en una portada de revista improvisada.

La Fashion Week reafirma su papel como escaparate global de las nuevas tendencias que nacen en las nuevas colecciones propuestas por las maisons más importantes de la industria.

A continuación, mostraré tres ejemplos icónicos e inspiradores de calzado que han cambiado la idea de joya.

En primer lugar, como amante empedernida del calzado, voy a destacar una pieza que me resulta fascinante.

Christian Louboutin para Burlesque (2010)

En la película Burlesque (2010), protagonizada por Christina Aguilera y Cher, Marcus, el personaje interpretado por Eric Dane, le regala unos zapatos Christian Louboutin al personaje de Aguilera (Ali Rose) como un gesto de seducción y poder, intentando impresionarla y atraerla hacia su mundo de lujo y apariencias. El regalo simboliza su interés romántico y también su forma de relacionarse: usando el dinero y los objetos caros como herramienta de conquista.

Se destaca que los Christian Louboutin que aparecen no son un modelo comercial exacto de catálogo, sino que fueron diseñados a medida para la película por el propio Christian Louboutin en colaboración con el diseñador de vestuario Michael Kaplan para el personaje de Ali Rose (Christina Aguilera), con el objetivo de transmitir un estilo glamuroso, alto y sensual propio del mundo del burlesque.

En discusiones de aficionados se menciona que un diseño similar usado en la película se parece al modelo Tsar de Christian Louboutin de la colección de 2010, aunque no es exactamente ese modelo comercial estándar sino más bien una versión inspirada y hecha a medida.

En mi opinión, es un modelo realmente inspirador que transmite no solo la esencia del personaje y de la película, sino que describe a la perfección como era Christina Aguilera en la década del 2010: una estrella del pop internacional que daba el salto a la gran pantalla, con una belleza natural que atraía todas las miradas.

Siguiendo en la línea del calzado, existe un modelo icónico de un diseñador único que ha robado millones de corazones.

Manolo Blahnik Hangisi para Sex and the City

Es bien sabido que la serie Sex and the City marcó un antes y un después en la historia de la moda, y no es una exageración decir que cambió la forma en que la televisión y la moda se relacionan hoy en día.

Gracias al éxito de la serie, muchas de las firmas que aparecen en ella experimentaron un notable aumento de visibilidad y prestigio, consolidándose como referentes del lujo y el estilo contemporáneo. Este es el caso de Manolo Blahnik y su modelo Hangisi en satinado azul con hebilla de cristal.

Si bien es cierto que el personaje de Carrie Bradshaw es una apasionada y una fiel seguidora del diseñador desde los primeros capítulos de la serie, el zapato de salón con hebilla joya en la punta se volvió legendario porque Carrie lo lleva en Sex and the City: The Movie y simboliza su relación con Mr. Big. En la película, Big usa este modelo como parte de una propuesta de matrimonio alterna, lo que lo convierte en un momento memorable y sentó precedente para futuras propuestas de matrimonio.

Estos zapatos no solo son iconos de la pantalla, sino que también han inspirado mis propias decisiones de calzado en la vida real, especialmente en un día tan especial como mi boda. Cuando vi la película por primera vez, hace ya unos cuantos años, pensé que, cuando me casara, llevaría unos Manolo Blahnik azul eléctrico como los de Carrie. Porque, seamos sinceras, todas hemos querido ser Carrie alguna vez.

Sin embargo, el tiempo ha ido pasando y mis gustos y prioridades han cambiado al hacerme mayor —y no cuento eso en vano, sino que tiene una razón de ser—. Me casé en abril de 2024 y en ese momento ya no quería usar tacones de aguja, necesitaba un calzado de princesa que me representara y, sobre todo, que fuese cómodo. Con esto doy pie a: un calzado que, sin ser histórico, tuvo un papel decisivo en un momento muy especial de muchas jóvenes y, por supuesto, de mi vida.

Sveti Stefan para la boda de Ana Iglesias

Investigando mucho, encontré una exclusiva de hola.com sobre la boda de la ganadora de MasterChef8 España y fundadora de dosprimeras, Ana Iglesias Panichelli. En él aparecían fotos de la feliz pareja recién casada: ella lucía un romántico vestido de inspiración medieval obra de María Gadea, con mangas de seda y un velo con estrellas bordadas. Pero, lo que más me sorprendió fue que lo combinó con zapatos planos de la firma Sveti Stefan. Como afirma Ana en las declaraciones del artículo, ella “quería ir supersencilla, cómoda y natural”, y eso mismo quería yo para mi gran día.

Entré en la página web de la marca y no me podía creer lo que estaba viendo: eran exactamente los diseños atemporales y los tejidos naturales que había estado buscando.

Sveti Stefan fue fundada en 2020 por dos hermanas madrileñas, Marta y Patricia. Marta vivió en Italia y se enamoró de la elegancia y la simplicidad de las friulane venecianas, zapatillas tradicionales italianas, originarias de la región del Friuli-Venecia Julia, al noreste de Italia. Tradicionalmente, eran calzados de trabajo y casa, muy popular entre campesinos y trabajadores del norte de Italia, pero hoy en día se han reinterpretado en moda urbana y verano, incluso en marcas que las producen en versiones más estilizadas, coloridas y elegantes, dependiendo de la ocasión.

La firma se ha ido consolidando en estos primeros años, y a día de hoy tienen más de 135K seguidores en Instagram, e incluso celebrities del nivel de Kelly Rutherford (Lily van der Woodsen en Gossip Girl), Tamara Falcó, entre otras, se han enamorado del indudable estilo de Sveti Stefan.

Después de descubrir que se trataba de una producción local, sostenible y hecha a mano, decidí lucir un zapato plano precioso diseñado y fabricado en España para uno de los días más felices de mi vida. Y no solo me atrapa el diseño, sino que me atrae su esencia, delicadeza y el lugar donde me transporta. Tal y como he puntualizado al principio, me apasiona el calzado y me encanta conocer nuevas marcas locales que tengan un estilo refinado y elegante.

Quizás Sveti Stefan no es un referente histórico, pero nos permite dar paso a pequeñas empresas emergentes que se alejan del concepto del fast fashion que tanto ha caracterizado la moda de los últimos años.

Como última reflexión, me gustaría pensar, como romántica que soy, que el cuento La Cenicienta haya influido en considerar el calzado como una joya, ya que ella encontró al amor verdadero gracias a su zapato mágico de cristal. Así, ya sea en la pantalla grande, en series icónicas o en nuestros propios días especiales, el calzado sigue siendo mucho más que un complemento: es un elemento clave que refleja personalidad, historia y emociones.

The Šik es un espacio donde la moda deja de ser solo una manera de vestir y se convierte en historia, emoción y expresión personal. Su nombre, inspirado en la palabra croata Šik (“elegante, con estilo, chic”), refleja a la perfección su enfoque: un lugar donde el estilo no es superficial, sino una forma de comunicar identidad y personalidad.

En The Šik, los zapatos, la ropa y los accesorios no son simples objetos: son joyas narrativas, protagonistas de historias de cine, series, bodas y momentos personales que inspiran y conectan con la cultura contemporánea. Es un proyecto moderno, sofisticado y minimalista, pensado para quienes buscan profundidad en el estilo, combinando pasión por la moda con relatos que emocionan y generan reflexión.

Además de la visión periodística, The Šik incluye una sección de relatos narrativos propios, un espacio para leer historias reales y de ficción creadas desde el imaginario.

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